摄影电影拍摄现场的工作流程，该分几步走？

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子级项目

1、走位（Block）

副导演把该场戏的所有演员集中在演区，摄影师、助理、灯光师、美工人员和灯光替身等在旁聆听观察，导演指挥或带领演员走位，用最简单的方法把该镜头的内容粗略演一次，然后与摄影师共同研究，有时透过肉眼，有时利用工具，例如导演取景器（Director’s Viewfinder）等定好机位、景别和运动方法，精准到轨道的起幅、落幅，镜头的焦距和高低位置等都有记录。决定好排位后，摄影助理则应忙于给演员走位做记号，更要为摄影机的移动位置作记号。

这一道程序尤其重要，只有这样做，各部门才会清楚了解这个镜头的设计、所见范围和所需元素，最好不要像某些导演那样完全依赖口述，“A演员从这里走到那边，B演员从外冲入与A相遇，一起走到这边质问C演员……”或者举起两个拳头代表演员对话等等，结果做成盲目打光，最后要么效果不好，要么要重做，浪费时间。

2、打光（Light）

排位结束，副导演请演员移步到演区外，继续让导演讲解角色的动机、性格、心理状态和表演要求等等，掌机员会带领摄影组和 Grips （摄影、灯光的兼容工作组）按照摄影指导的意思装置摄影机，铺排轨道，排练运动，摄影指导则与灯光师合作，利用 “光替” 打光（如果预算允许雇用光替的话）。

录音助理也可以利用这段时间为有台词的演员安装无线话筒，美工人员会与掌机员合作，自动自觉地按照摄影机的起幅、落幅（也就是镜头所见范围）清理场地，添置、整理道具，副导演则安排背景的群众演员走位，增加真实感和气氛渲染，如果镜头内还有放烟、洒水、吹风、爆破等现场效果的话，它的协调工作就更繁重了。广义来说，一个副导演如果从不检查摄影机拍摄范围就安排工作，那就不能说是个称职的副导演。

3、排练（Rehearse）

等打光大致完成，各部门所需的工作也接近收尾，副导演会请演员和导演回到演区，让导演指导他们尽量按照原先画好的记号走位演戏，这时导演可以要求表演做细节调整，排练到导演基本满意为止。

4、微调（Tweak）

演员排练到基本满意后，可以留在演区补妆，整理服装，摄影灯光部门可按排练结果做出相应的微调，跟焦员也应于此时量度准确演员距离，准备跟焦。特别想提一下，某些缺乏经验的梳头、化妆、服装人员由于怕人说他们怠惰，往往盲目地在任何时候跑出来，站在演区、镜头前面补妆、弄头发，既徒劳又阻碍其他部门工作，有经验的副导演就会安排他们适当的时候做他们该做的事，提高效率。

5、开机拍摄（Shoot）

顾名思义，当所有微调完成，演员进入状态，就可以正式拍摄。每一条停机后，导演要给予明确指示，要么满意收货，要么重来；如果重来，要明确地告知各单位、演员重来的原因，不能因为自己缺乏自信而含糊地要求演员重做。如果一个镜头 OK 了，副导演会有序地安排演员撤退，机器移位，准备重复以上程序，拍摄下一个镜头。

以上程序，从文字上看貌似复杂，其实只要具有经验的副导演在现场严格执行一段时间，各部门人员应该很快就能适应过来，大家尝到秩序和效率的甜头，并有了默契之后，过程就会更加流畅。当然，以上程序需要演员们配合，大家准时到达现场，并有专业操守，愿意给其他角色在画外搭戏，中港地区的导演未能按这个流程工作往往因为演员不齐，无法排位。

记得上个世纪八十年代香港的电影生意特别火，演员跨组厉害，某花旦曾有 “郑九组”的外号（同时接了九部戏），疯狂刮钱以外，并引以为自豪，风气败坏，同一场的演员往往不同一时间在场，幕后人员完全无法认真地拍好一场戏。搞笑的是，不少导演还喜欢自诩自己会跳拍、用替身带肩拍摄等小技巧，让不同时间来到现场的演员（有时相隔几天、几周）拍成好像同场对答的特殊（扭曲）能力，不知道他们是在苦中作乐还是真心感到骄傲。

还有一个可以提高拍摄效率和摄影灯光质量的操作方法，就是先拍广角全景镜头，同时拍摄 “主镜头” （Master Shot），把整场戏连续不断地拍下来，不要从一场戏的中间、近景镜头开始拍摄。从广角机位开始，摄影师、灯光师把难度最大的景别搞定，然后移进拍摄中近景，就能确保光效连接，而且镜头与镜头之间基本上不用调整，可以直接跳近拍摄，省时省力。如果从近景开始，效果则刚刚相反了。至于拍摄 “主镜头”，在没有胶片成本压力的今天绝对值得采纳，选择两到三个机位把整场戏从头到尾拍一遍，如果有出错，可从中间出错的地方开始，接续拍摄，然后再补拍个别角色的特写反应镜头。这样的话，演员会更专心，表演情绪更连贯，剪辑的可能性、弹性大增，也能提升拍摄进度。